Archives par mot-clé : fiction

J’aimerais souligner ici ma dette à l’égard de la pensée de Guattari en traquant quelques étapes des échanges que nous avons eus autour de mes recherches de terrain auprès des Aborigènes d’Australie. Guattari est souvent cité avec Deleuze par les anthropologues de langue anglaise (particulièrement en Océanie) et ignoré voire rejeté par une génération d’anthropologues français. L’articulation de territoires existentiels avec différents systèmes de valorisation et d’auto-affirmation ontologique est à mon avis une clef essentielle pour analyser de manière anthropologique n’importe quel processus de resingularisation du rapport aux lieux dans un univers contemporain d’interactions globalisées.

In this article, I’d like to account for my debt towards Guattari’s thought, by tracking the main phases of our exchanges related to my fieldwork in Australia. Guattari is often cited (along with Deleuze) by English-speaking anthropologists but he is often ignored, or rejected, by a certain generation of French anthropologists. The articulation of existential territories with different systems of valorization and of ontological self-affirmation is in my view an important key in our effort to analyze from an anthropological point of view processes of re-singularization and re-location in our current universe of globalized interactions.

L’étude des formes actuelles de la gouvernance permet de mettre en lumière les « formes d’expérimentation sociale » fondées sur l’enrôlement du collectif. Cela signifie qu’aujourd’hui la définition de l’effectivité d’un système de règles passe moins par la possibilité de réaliser une subsomption justifiant la validité interne d’une procédure que par « le pouvoir d’inférence à l’égard de la production d’une forme de vie sociale satisfaisante ». C’est pourquoi « la question de la normativité du droit se déplace de la cohérence formelle de son contenu sémantique vers son potentiel pragmatique de gouvernance comme institution sociale ». Il devient par là urgent d’inventer de nouvelles formes de coopération sociale à même de contrer « l’opportunisme » des acteurs sociaux capables de saisir les opportunités déterminées par la crise des formes institutionnelles classiques.

The study of current forms of governance sheds light on « forms of social experiment » based on collective participation. The effectiveness of a system of rules relies less on realizing a subsumption justifying the inner validity of a procedure than on the « power to infer the production of a satisfying form of social life ». This is why « the question of the law’s normativity is displaced from the formal coherence of its semantic content towards its pragmatic potential of governance as a social institution ». It is therefore urgent to invent new forms of social cooperation able to counter the agents’ « opportunism » in their attempts to seize the new opportunities opened by the crisis of classical institutions.

Smithson, Notari, Le Corbusier, Einstein… Les travaux de Renée Green esquissent des généalogies à travers des reconstructions et enquêtes qui impliquent des mouvements à travers le temps et les espaces, entre le présent et le passé, le sujet de la narration et le sujet de l’histoire, ici et ailleurs. Dans ces allers-retours entre les archives et la fiction, les figures historiques émergent comme des fantômes qui hantent littéralement ses films et occupent un espace liminaire entre l’imagination, l’histoire et les désirs investis dans le processus de la mémoire.

Smithson, Notari, Le Corbusier, Einstein…Renée Green’s work sketches genealogies through reconstructions and inquiries based on displacements through times and spaces, between the present and the past, the subject of narration and the subject of the story, here and elsewhere. In these back-and-forth movements between archive and fiction, historical figures emerge as ghosts which literally haunt her films, occupying a spatial borderline between imagination, history and the desires invested in the process of remembrance.

Cette étude enquête sur le sens politique d’un des aspects de la pensée d’Edmund Burke qui est resté relativement inexploré : le monstre. Après avoir montré comment la figure du monstre apparaît dans l’esthétique de Burke, l’auteur examine les raisons politiques de l’usage de la métaphore du monstrueux. L’article suggère que ces raisons sont politiques et qu’elles reposent sur la crainte que Burke éprouve pour la canaille [mob] et que cette crainte nous suggère, de plus, des éléments interprétatifs importants pour l’analyse de l’idéologie conservatrice.

This article explores the political meanings of a relatively unexplored dimension of Edmund Burke’s thought: the monster. After first showing the extent to which the figure of the monster appears in Burke’s category of the aesthetic, the author speculates on some of the political reasons for Burke’s use of the metaphor of the monstrous. The article suggests that these political reasons lie in Burke’s fear of the mob, and that this fear tells us something important about the conservative ideology of order.

En 2007, bon nombre d’expositions, colloques et numéros monographiques de revues se sont penchés sur les rapports entre l’art et le féminisme, alors que la Documenta 12, très critiquée pour son approche conservatrice, restera peut-être dans l’histoire pour avoir été la première Documenta à montrer 50 % d’artistes femmes. En s’interrogeant sur ces différents phénomènes, cet article pose la question des temporalités du féminisme opposées à la linéarité du récit de l’histoire de l’art et propose une utilisation stratégique du féminisme dans le domaine esthétique.

In 2007, various exhibitions, conferences and special issues of journals focused on the relations between art and feminism, while Documenta 12, which was heavily criticized for its conservative approach, may remain in history for having been the first Documenta in which half of the artists were women. By inquiring into these various phenomena, this article looks at the question of the temporalities of feminism, as opposed to the linearity of the narrative of art history, and suggests a stragetic usage of feminism in the aesthetic realm.

Le titre évoque le nouveau paysage créé sur le port de Hambourg par l’action intitulée Park Fiction. C’est une action pas plus extraordinaire que celle des skaters qui se sont mis un jour à patiner n’importe où librement. L’art ne se contente pas de faire voir le monde d’un autre point de vue, il le fait fonctionner différemment. À Hambourg, une action continue d’animation, d’exposition, d’agit-prop, menée avec humour, a fini par convaincre la municipalité que les habitants avaient vraiment besoin d’un jardin sur le port, et qu’il fallait le réaliser selon les plans qu’ils avaient projetés. Pas tout à fait, car elle ne comprend pas pourquoi il faudrait constituer une archive de cette action, ouverte au public. En fait elle en nie la dimension artistique et ne garde que le fonctionnel. Mais le Park Fiction est convoité par les investisseurs, dont il a jusqu’à présent déjoué les assauts en développant des activités internationales.

The title alludes to a new landscape created at Hamburg’s port through an action entitled Park Fiction. It is an action not that much more extraordinary than the action of skaters who set out one day to go skating, freely. Anywhere. Art is not about simply making the world look at itself from a different point of view, but to make it be used in a different way. In Hamburg an ongoing action of animation, exhibition, agit-prop, fuelled by humour, has ended up convinvcing the local council that the inhabitants have a real need for a garden by the port, and that they are bound to realise this according to the plans they have put forward. Though not entirely, because the council does not understand why it is necessary to make an archive of this action, that is open to the public. In fact, the council denies the artistic dimension of the project, and retains only that which is functional. But Park Fiction is being now sought-after by investors, whose advances they have so far eluded through the development of international activities.

Cet article vise à présenter et interpréter l’œuvre dramatique de Joe Orton, auteur anglais des années 1960 qui parvint à la notoriété par le contenu violent et obscène de ses pièces, son homosexualité affichée et sa mort brutale des mains de son amant. Le travail d’Orton est un condensé dramaturgique de thèmes caractéristiques du « matérialisme » anticipés dans les philosophies de Machiavel et de Spinoza, mais trouvant leur expression la plus aboutie dans la pensée deleuzienne : l’immanence radicale du politique ; la critique de l’identité et des concepts cliniques de la folie ; la force anarchique et impersonnelle du désir sexuel. Orton atteint ce but au moyen d’une expérimentation comique à partir du langage et d’une radicalisation de la farce (comédie), qui produit une rire à la fois destructif et affirmatif : il détruit les barrières artificielles de la raison (y compris la frontière entre l’artificiel et le naturel) et affirme ce processus de destruction ainsi que le désir pré-subjectif par lequel il s’accomplit.

This paper is a brief introduction to and interpretation of the work of Joe Orton, an English playwright of the 1960s who achieved notoriety through the violent and obscene content of his plays, his scandalous homosexual lifestyle and brutal death at the hands of his lover. Orton’s work is presented as a dramatic exemplification of distinctive themes pertaining to a radically materialistic strain in philosophy anticipated in Machiavelli and Spinoza but finding its fullest expression in Deleuze’s thought : the radical immanence of the political, the critique of self-identity and clinical concepts of madness, and the anarchic and impersonal force of sexual desire. Orton achieves this aim through comic experimentation with language and a radicalisation of farce that serve to produce a laughter that is both destructive and affirmative : destructive of the boundaries artificially erected by reason (including the boundary between the artificial and the natural), and affirmative of this process of destruction and the pre-subjective desire through which it is accomplished.

Enthusiasm, projet des artistes Neil Cummings et Marysia Lewandowksa initié en 2002, recense des centaines de films réalisés par des cinéastes amateurs polonais entre les années 1950 et la fin des années 1980. À partir de ces archives filmiques inédites, les deux artistes élaborent un réseau, ou une stratification, de récits : un certain mode collectif de production et de diffusion cinématographique, une visualisation du socialisme vécue du dedans, ainsi que la transmission (nécessairement indirecte) d’un enthousiasme historico-politique. Cet article tente de mettre en évidence le lien – sensible dans les expositions d’Enthusiasm en Europe et en Amérique – entre un tel enthousiasme et une conception du cinéma comme vestige historique en perpétuel devenir, depuis l’avant-garde russe des années 1920 jusqu’à certaines productions artistiques récentes (celles de Lewandowska/Cummings, mais aussi de Pierre Huyghe et Douglas Gordon) en passant par les Å“uvres de Jean-Luc Godard et Chris Marker.

Enthusiasm, a project launched in 2002 by the artists Neil Cummings and Marysia Lewandowska, inventories hundreds of films created by amateur filmmakers in Poland from the 1960s to the late 1980s. On the basis of this previously unavailable film archive, the two artists have elaborated a network or stratification of narratives – concerning a certain mode of collective film production and distribution, a visualization of socialism as lived from within, and a (necessarily indirect) transmission of historical-political enthusiasm. This essay attempts to highlight the link – palpable in the exhibitions of the project both in Europe and America – between such an enthusiasm and a conception of cinema as a historical vestige in a process of perpetual becoming, from the Russian avant-garde of the 1920s all the way to certain recent artistic productions by Lewandowska/Cummings as well as Pierre Huyghe or Douglas Gordon, via the filmic works of Jean-Luc Godard and Chris Marker.

L’expérience de la domination et de la marginalisation – politique, économique, sociale, culturelle – ressentie par beaucoup de Touaregs dans l’ordre des États modernes se traduit par une image récurrente : celle d’un corps mutilé, amputé, blessé, empêché de se mouvoir. Face à la fragmentation et à la paralysie du corps social, territorial, individuel, revient l’idée qu’il faut le souder, le remembrer, le réemboîter pour lui restituer sa mobilité. C’est dans cette perspective que, depuis plusieurs décennies, des initiatives aussi nombreuses que variées investissent des scènes d’actions multiples, de l’insurrection armée au travail de l’imaginaire. Dans le domaine littéraire et artistique, la « furigraphie » du peintre et poète touareg Hawad, apparaît comme un de ces moyens « de dépasser les limites, de contourner l’enfermement, de faire ricocher les échos de (s)es paysages et de construire des espaces inédits pour penser, ressentir et dire autrement le monde ».

There is a recurrent image that captures the experience of being dominated and marginalised many Touaregs have felt in the political, economic, social, and cultural realms as has been inflicted upon them by the modern nation-states system : that of a mutilated, injured body deprived of its freedom to move around. So the idea comes up to put together again, to rearticulate this social body in order to counter its fragmentation and paralysis and bring it back to its former mobility. It is in this perspective that over the past scores of years various initiatives have sprung up, ranging from armed resitance to imaginary discourses. In literature, it has been the of the Touareg painter and poet Hawad that appears to be one of the paths available to « go beyond the limits, to route around the confinement, to make the echos of the landscape rebound and to build fresh spaces of thoughts, feelings, and different ways to look at the world ».