Archives par mot-clé : esthétique

La Blackness a été et est toujours en vogue au début du xixe siècle, non seulement dans la culture populaire, mais aussi dans les arts, qui reproduisent de façon synchronique des stéréotypes classiques sur le corps Noir. Cet article vise à explorer les difficultés et les subtilités d’un art « post-black », introduit comme concept curatorial en 2001. Le « Post-black » est intrinsèquement lié à l’Expérience Noire, qui n’est pas seulement limitée à des revendications politiques mais offre une perspective élargie des pratiques esthétiques qui n’ont pas été prises en compte dans la vision dominante et étriquée sur l’art des artistes Noirs. Le « Post-black » décrirait donc un autre genre de blackness que celle qui était représentée auparavant, une différente performance de la différence au sein d’une « multiplicité de multiplicités ». Nana Adusei propose ainsi d’envisager la création d’une différence différente qui a toujours fait partie de la discussion sur la blackness depuis les origines de la réflexion intellectuelle Noire.

“Rooted in, but not restricted by”
Contemporary Black Artists and the Changing Conditions of Representation

Blackness was and is still en vogue in the beginning of the 21st century, not only in popular culture but also in the arts, which synchronically reproduces classical stereotypes about the Black body and challenges Black artists and scholars not to fall into already established counter-discourses but rather expand the repertoires of representations. This article thus aims to explore the difficulties and intricacies of the idea of post-black art and its curatorial legacy, which was introduced as a curatorial concept in 2001. Additionally, it examines the option of opening up the debate into a wider discourse of identity politics, their various meanings, limitations and promises for the contemporary. The article is framed by a series of questions that are fundamental to understanding the complexity of the idea of post-black. Nana Adusei-Poku foregrounds the discussion with the general considerations “What is post-black art?” and “What is meant by ’black’in post-black art?”

Ce texte entend démontrer la dimension théorique de l’œuvre d’art en prenant appui sur le Butcher boys de Jane Alexander. L’indétermination formelle que suscite cette œuvre est mise en rapport avec l’ambivalence telle qu’envisagée par Homi Bhabha dans la théorie déconstructionniste. Après avoir montré l’influence du poststructuralisme sur le postcolonialisme, l’auteur s’appuie sur l’hypothèse selon laquelle la problématique de l’ambivalence et la critique de la temporalité sont les deux points d’ancrage qui placent Butcher boys au centre du discours deconstructionniste postcolonial. C’est ainsi que l’œuvre est analysée par rapport au Temps, à la Mémoire et à l’Histoire et mise en relation avec les événements historiques déterminants de l’Afrique du Sud. L’auteur dégage ce qu’il nomme une corporéité de la mémoire comme support d’une écriture de l’histoire.

Theoretical image or the Artist facing history
This paper attempts to demonstrate the theoretical nature of artwork from Jane Alexander’s Butcher boys. The formal indeterminacy of this artwork is related to the ambivalence as mentioned by Homi Bhabha about deconstructionist theory. The author underlines the influence of poststructuralist theory on postcolonial discourse and considers the hypothesis that the problem of ambivalence and the critic of temporality are the main ideas that get Butcher boys in the center of postcolonial deconstructionism. From this point of view, the artwork is analyzed in relation to Time, Memory and History in view of South Africa’s historical events. The author demonstrates what he names the corporeity of memory as the support of making history.

Sandy Prita Meier examine les chevauchements et les divergences qui ont façonné le modernisme « africain » et « moyen-oriental » au sein de la discipline de l’histoire de l’art. Elle analyse les multiples façons dont les curateurs, critiques et universitaires ont fait un usage de la catégorie de « modernité » au cours des deux dernières décennies. Meier met en évidence le modèle des « modernités multiples » comme position stratégique à la fois pour « exciser l’inquiétude continue à propos de la catégorie d’“ authenticité” » et dépasser la dichotomie « particularisme et universalisme » à laquelle l’enquête historiographique de l’art est trop étroitement mariée.

Authenticity and Its Discontents
Making Modernist Art Histories “African” and “Middle Eastern”
In her article, Sandy Prita Meier establishes some of the central theoretical concerns that frame this issue, particularly noting the overlaps and divergences that have shaped “African” and “Middle Eastern” modernisms within the discipline of art history. She rereads the multiple ways in which, curators, critics, and scholars have contended with questions surrounding the “modern” over the last two decades. Meier highlights the “multiple modernities” model as a strategic position for both excising the continued anxiety about “authenticity” and moving beyond the “particularism and universalism” to which art historical inquiry is all too closely wedded to.

Cet article se concentre sur le travail de l’Art Society, groupe artistique formé au Nigeria (1957-1961), comme première manifestation significative d’un modernisme postcolonial, envisagé comme ensemble d’attitudes formelles et critiques adoptées par les artistes africains et noirs à l’aube de l’Indépendance politique du Nigeria. L’Art Society a souligné l’importance des ressources artistiques locales dans la réalisation d’un travail résolument moderniste, modèle esthétique qu’il a théorisé sous le nom de synthèse naturelle. La logique sous-jacente à la synthèse naturelle était basée sur la notion dialectique de réconciliation entre deux esthétiques opposées (les traditions de l’art africain et de l’art occidental). Quoique typique de l’avant-garde du début du xxe siècle, la synthèse naturelle n’était ni un appel à une rupture totale avec la tradition coloniale, ni une déclaration de rejet par l’artiste de la modernité occidentalisée en retournant à une culture indigène authentique et imaginaire.

The Art Society and the Making of Postcolonial Modernism in Nigeria
This essay focuses on the work of the Art Society – a group formed by art students at the Nigerian College of Art, Science, and Technology, Zaria (1957-61) – and suggests that the work of its key members in the 1960s was the first significant manifestation of postcolonial modernism in Nigeria. Postcolonial modernism, the essay argues, refers to a set of formal and critical attitudes adopted by African and black artists at the dawn of political independence as a countermeasure against the threat of loss of self in the maelstrom unleashed by Western cultural imperialism and its aftermath. In defining their relationship with European and African artistic heritages, the Art Society and other postcolonial artists emphasized the importance of local and indigenous artistic resources in the making of their decidedly modernist work. The essay details the convening of the postcolonial literary and artistic avant-garde at the Mbari Artists and Writers Club, Ibadan, Nigeria, in the early 1960s and claims that their modernism was directly linked to the practice and rhetoric of political and cultural decolonization and sovereignty.

Que se passerait-il si nous commencions à considérer les objets d’art d’Afrique comme étant eux-mêmes une diaspora, par opposition à la conception traditionnelle des diasporas qui concerne la dispersion des personnes, à travers le globe, avec leurs spécificités culturelles ? Cet essai propose de conceptualiser une histoire des objets d’art africains en les pensant comme véhicules, à travers le temps et l’espace, des « diasporas d’images ». John Peffer propose en effet d’examiner la production d’objets visuels en Afrique comme objets en mouvement, qui articulent des histoires et des zones culturelles disparates. En cela, il propose d’envisager un continuum pour des arts catégorisés, ailleurs, soit comme « traditionnels » soit comme « contemporains ».

Africa’s Diasporas of Images
This essay addresses the concept of a history for African art objects by thinking them across space and time as vehicles for “diasporas” of images. John Peffer proposes a consideration of African art from the perspective of diaspora, as objects in motion, and as objects that articulate between and across disparate cultural histories and the cultural zones of others. In the process, John Peffer attempts to bridge the continuum spanning arts otherwise categorized as “traditional” or “contemporary”.

Depuis la fin des années 1980, la reconnaissance croissante, sur les scènes « globales » de l’art, d’artistes contemporains d’origine africaine, longtemps négligés, a largement été coupée – en France particulièrement – de la réception de ressources discursives et pensées théoriques sur l’art, venues d’Afrique. Cet article s’intéresse à l’émergence dans les années 1990, d’un « nouveau discours africain » porté par une génération de commissaires, historiens et théoriciens de l’art, qui aura choisi, en premier lieu, de réévaluer les modernités artistiques africaines. Il met en relief la géographie paradoxale de cet « espace discursif africain », où plusieurs spatialités se superposent (celles de discours très mobiles – portés par des revues d’histoire et théorie de l’art, plateformes curatoriales ou éducationnelles nomades, basées dans les métropoles de la diaspora ou implantées sur le continent le temps d’une biennale – et de revues, institutions académiques, centres d’art, musées continentaux plus enracinés).

Art Historiographies from Africa
Since the late 1980s, the growing recognition, on the global art scene, of long neglected contemporary artists of African origin went hand in hand with an exaltation of multiculturalism, erasing the borders which divide the art world. The reception granted to these artists, in particular in France, was severed from the reception of the theoretical resources which reframed art from an African perspective. This article introduces a wider project of translation of historiographic discourses and African views on art, documenting the emergence, in the 1990s, of a “New African discourse” on art, carried by a generation of curators, historians and theorists who chose to reevaluate the various trends of modern African art.

autour du travail émotionnel des professionnel-le-s de la coiffure et de la manucure, à partir d’une enquête réalisée à Bogotá (Colombie). L’article examine certains des effets de la commercialisation et de la professionnalisation du soin de l’apparence tels que la configuration d’une division sexuelle des occupations qui place au sommet de la hiérarchie la coiffure de prestige réalisée par des hommes de diverses orientations sexuelles, et à la base, la manucure, assumée entièrement par des femmes. Il montre les contrastes du travail émotionnel dans ce secteur où il varie en fonction de la position sociale de la clientèle, le degré de formalisation des règles émotionnelles et l’impératif managérial du service au client.

Appearance care, emotion work and customer service
The article proposes some reflections on emotion work accomplished by men and women who work as hair dressers and nail dressers in Bogotá (Colombia). Placed between ornamentation and hygiene, professional work on hair and nails can be associated with care as much as it deals with people’s bodies and well-being. The article examines how the commodification and professionalization of appearance care have an effect on the sexual division of labor in this branch, placing on the top prestigious hair dressing performed by men (of any sexual orientation) and at the bottom nail dressing, performed almost exclusively by women. It shows some of the contrasts that characterize emotional work in these occupations, exposing how it overlaps with managerial ideology of customer service and how it differs according to client social position and specific emotional rules.

Une approche du « mythe-science » de Sun Ra
Méditation sur une fonction des mythologies et contres-mythologies chez Sun Ra, au sein de leur usage dans la culture afro-américaine. Le musicien-compositieur n’ayant jamais voulu théoriser, distillant plutôt sa pensées par d’énigmatiques bribes éparpillées, cette étude explore les passages mentionnant l’usage et le rapport aux mythes dans son œuvre – voyageant dans sa poésie et prose, dans une série d’interviews et de paroles filmées. Articulant cette vue émergente au rapport des anciens Égyptiens avec le mythe et l’énigmatique, une analyse de scènes clefs du film Space Is the Place devient possible. La dimension stratégique de l’usage de contre-mythologies nous apparait plus clairement, chez ce chef d’orchestre jazz inspiré.

The Pharaoh
Strikes Back
An approach in Sun Ra’s
« Myth-Science »
Meditation on the functions of mythology and counter-mythology, in the work of Sun Ra. As the musician-compositor never theorized, spreading his thought through small enigmatic sentences, this study explores fragments concerning his use and relationship to myth. Journeying among his prose and poetry, some interviews and film speechs, a view emerges of it all. Articulating it with the ancient Egyptians’s conception of myth, an analyse of the movie Space Is the Place reveals the strategic aspect of counter-mythology by this inspired jazz bandleader.

« We come in peace »
Laibach ou l’art
de la fugue
Apparus dans le contexte idéologique de la Yougoslavie finissante, le groupe slovène de musique industrielle Laibach et son organisation faîtière, le Neue Slowenische Kunst (NSK), ont contribué à renouveler la grammaire de la contestation, à travers le principe de « rétrogardisme » et la technique de suridentification aux codes esthétiques du pouvoir. L’article revient sur la trajectoire du groupe, dont il démonte les stratégies en insistant sur la dimension systématiquement ironique de son mode d’énonciation, notamment de son art de la reprise. 

« We come in peace »
Laibach or the Art of Fugue
Emerging in the ideological context of the last decade of Yugoslavia, Slovenian industrial music group Laibach and its umbrella organisation, Neue Slowenische Kunst (NSK), contributed to renew the grammar of contentious politics, through the principle of “retrogardism” and the technique of overidentification to the aesthetic codes of power. The paper traces the group’s line of work, analysing its strategies while insisting on the systematically ironic dimension of its mode of utterance, especially of its art of cover songs.

En s’appuyant essentiellement sur l’exemple de Minor Threat, cet article tente de mettre en évidence l’idéal éthique qui sous-tend la scène hardcore des débuts (années 1980) aux États-Unis, ainsi que la pratique du Do It Yourself. Les affinités de l’attitude DIY avec la pensée des transcendantalistes américains sont mises en évidence, tandis que l’on insiste sur la forme de solidarité spécifique qui unit les acteurs de la scène hardcore, réunis autour d’unidéal d’autodétermination.

The Ethics of the Hardcore Scene
This article focuses on the band Minor Threat, in order to reveal the ethics of the American hardcore scene of the eighties. It retraces the roots of the Do It Yourself attitude back to the Transcendentalist’s philosophy, and insists on the original type of community promoted through hardcore, where individuals are united in their search for autonomy.

Lorsque James Holmes, le tueur d’Aurora, affirme au moment de son arrestation « Je suis le Joker », en référence au dernier film mettant en scène Batman, il illustre l’une des actualisations possibles du virtuel qui peuple nos espaces médiatiques. On restera démuni face de tels passages à l’acte, de même que face aux médias eux-mêmes, tant qu’on ne comprendra pas mieux quelle est la nature de ce virtuel qu’ils font advenir à l’être.

The Joker’s Metaphysics
When James Holmes, Aurora’s killer, claims during his arrest “I am the Joker”, in reference to the latest Batman movie, he exemplifies one of the possible modes of actualization of our virtual mediasphere. We will be at a loss when faced with such forms of acting out, as long as one fails to understand the nature of this virtuality inherent to media as such.

Comme des poissons dans l’eau
Les ancêtres de la téléréalité, comme l’émission américaine Candid Camera, ont su très tôt mobiliser un charisme de la réalité qui magnétise aujourd’hui un nombre croissant de nos contemporains. Ces pratiques télévisuelles se sont développées en étroite interaction avec les expérimentations faites sur la psychologie sociale et l’hypnose, révélant une convergence entre sciences, technologies médiatiques et mécanismes de pouvoir que cet article s’efforce de faire apparaître dans ses dimensions à la fois historiques et théoriques.

Like Fish
in the Water
Pioneers of Reality TV, like the producers of Candid Camera in the 1950s, soon learned to activate a charisma of reality which continues to magnetize an increasing number of our contemporaries. Such TV shows have been developed in close interaction with experiments in social psychology and in hypnosis. A major synergy took place between the social sciences, media technologies and power mechanisms, a synergy this articles attempts to analyze in its historical as well as theoretical implications.

Comment traduire une forme de vie?
Nous vivons au sein de multiples formes de vies intriquées entre elles. Végétaux, animaux, humains, nous passons notre temps à devoir traduire ces formes de vies entre elles, ce qui nous oblige à inventer des équivalents pour ce qui n’a pas d’équivalent, à forcer un échange entre des incommensurables. C’est au sein de ce travail vital de traduction que doivent être envisagés les médias.

How to Translate
a Form of Life?
We live among an entanglement of forms of life. Plants, animals, humans, we all must constantly operate translations between these different forms of life, which forces us to invent equivalents when none are given. It is within the general and vital task of translation that the media must be understood and analyzed.

Notre rapport aux technologies médiatiques ne nous met pas tant en présence de nouveaux objets que de nouveaux environnements. C’est donc à partir d’une écologie générale qu’il nous faut tenter de comprendre les médias, nouveaux et anciens. Les réflexions de Félix Guattari, Gilbert Simondon, mais aussi l’agentivité environnementale de Mark Hansen ou la « struction » de Jean-Luc Nancy sont convoqués ici comme autant de pistes fécondes en direction d’une techno-écologie du sens.

The New Ecological Paradigm
Our relations with media technologies does not so much expose us to new objects, but rather to new environments. We therefore need a general ecology in order to understand media, new and old. Félix Guattari, Gilbert Simondon, Mark Hansen and Jean-Luc Nancy are discussed here, among others, in order to pave the way for a techno-ecology of meaning.

Si le média-activisme est parvenu à libérer des espaces d’expression, il n’a pas su empêcher les médias dominants, institutionnels et privés, de se réapproprier cette libération. À travers ses effets de saturation et de fragmentation, le « sémiocapitalisme » nous a fait la peau. Les médias dominants ont détruit les médiations individuelles et collectives par leur envoûtement : leur vol du temps et de la sensibilité. C’est la dimension esthétique que le média-activisme doit aujourd’hui investir, d’abord comme art, c’est-à-dire par une nouvelle production de la sensibilité, ensuite comme thérapeutique, c’est-à-dire comme soin apporté à nos appareils bio-médiatiques amoindris.
Media-activism Revisited
Although mediactivism opened new spaces of freedom, it did not prevent the dominant media to re-appropriate these spaces. Through saturation and fragmentation, semiocapitalism managed to skin and scalp us. By stealing our time and sensibility, the dominant media managed to cast a spell that destroyed our previous individual and collective mediations. Mediactivism must now reinvest the aesthetic dimension, first as art, as a new production of the sensible, then as therapy, as a labor of care directed towards our bio-mediatic devices and bodies.

Les manifestations du printemps
érable à Montréal apparaissent
dans les médias comme mettant la
ville à feu et à sang. En fait, avant la
répression policière, il y a des corps
qui marchent ensemble, des airs de
musique et des bouts de poèmes
qui traversent les têtes, et surtout
des rires, qui ont de quoi dissoudre
les simulacres médiatiques où nous
nous sommes crus enfermés.

Because Montreal,
This City, My City,
Is Burning With Life,
But Not Burning
At All

Then we started to march. We soon
heard that we were indeed disobeying
the law. All the while, young
people rule the streets, while the
population is slowly joining in the
drumbeat of kitchen pots and pans,
we were still laughing. Without a
hint of cynicism, we just laugh.

Cet article est centré sur une
récente initiative de jeunes
chinoises occupant ostensiblement
à Canton – la capitale du
sud – les toilettes publiques réservées
aux hommes : cette manifestation
visait, parmi d’autres, à
lutter contre les discriminations
faites aux femmes, nécessitant des
toilettes plus nombreuses pour
éviter les longues queues qui ne
manquent de se former régulièrement
dans les rues. Replacée dans
le contexte d’un Etat-parti autoritaire
prompt à la répression, cette
initiative est ici décortiquée pour
en comprendre la genèse tant au
niveau des individus que du collectif
féminin qui l’a fait vivre.

Eating Salted Pork Feet

This article presents a recent initiative
of young Chinese women who
occupied ostensibly the public men’s
lavatory in Guangzhou, the capital
city of the South of China. This
demonstration, among many others,
was intended to fight against the discriminations
suffered by women.
More public toilets are demanded to
avoid the long queue which extends
regularly in the streets. In the context
of an authoritarian party-State with
the swift repression, the authors
analyze the individual and collective
genesis of this initiative.

Des artistes, militants radicaux,
artivistes se mobilisent dans les
Territoires Palestiniens (de Gaza à
Ramallah) dans des formes de protestation
inédites dans cet espace.
Bien au-delà de la critique classique
contre l’occupation israélienne
(comme le montre le mouvement
de graphistes pour la libération des
prisonniers palestiniens), la critique
radicale porte sur la libéralisation
du processus d’indépendance
et de la construction de l’Etat
Palestinien. Ils demandent que
l’Etat Palestinien ait un contenu
en terme de justice sociale, reconnaisse
le pluralisme démocratique
et les formes nouvelles de subjectivités.
De nouveaux répertoires
d’action concernent l’occupation
de l’espace public, les marches sur
les frontières et la configuration
d’un espace critique et de débat au
moyen de l’art.

Stomach Uprisings,
Walks on Borders
and Occupations

Artists, radical miltants, ar-activists
unit to collaborate in Palestinian Territories
in singular forms of protests.
Beyond the classic critic against the
Israeli occupation (as the protestation
of Palestinian prisoners shows),
the radical movement concern the
liberalisation of the construction of
the Palestinian State. They claim
some fair and appropriate State, in
terms of social justice, pluralism and
recognition of subjectivities. New
repertories appear concerning the
occupation of public space, performances
at the regional frontiers with
a new role for the art.

Le mouvement israélien pour la
justice sociale (J14) a surpris par
son intensité et sa durée. Cet entretien
revient sur les origines du
mouvement, la critique de la souveraineté
israélienne mais décrit
les voies singulières qui traversent
l’Assemblée du peuple, représentante
du vaste courant d’indignation
dans tout le pays. L’hétérogénéité
sociale et culturelle du mouvement,
la participation de minorités
nationales prenant leur part
dans la refondation de la politique,
le dépassement de la gauche classique
et du Bloc pour la paix font
que ce mouvement peut être considéré
comme durable.

Taking Positions
Beyond
the Distribution
of Positions

The mobilization for social justice
(J14) has created a surprise in
Israel, because of its intensity. This
interview focuses on the origins of
the movement, the critique of Israeli
sovereignty. It describes the singularities
of the voices which compose
the popular assembly, which represents
an Indignation felt throughout
the country. The social and
cultural heterogeneity of the protestors,
the participation of the national
minorities taking place in the
political assembly, the enlargement
of the classic critique and of the leftist
critique create the conditions for
a sustainable movement.

Le mouvement d’activistes de l’internet
connu sous le nom d’Anonymous partage toute une série de
caractéristiques avec les mouvements
luddites, qui s’opposaient
aux implications socio-économiques
de la machinisation au xixe
siècle. Que nous apprend ce parallèle,
ainsi que les différences qu’il fait
apparaître ? À penser autrement les
rapports entre le nom, le masque, la
fiction et le soulèvement.

The Imaginary
of Anonymous,
from Luddism
to V for Vendetta

The movement known as Anonymous
shares a surprising lot of characteristics
with the Luddite movements,
famous for opposing the socioeconomic
consequences of industrialization
in the 19th century. What
can we learn from this parallel, as
well as from the specificity of each
movement? Another way of understanding
the relations between names,
masks, fictions and uprisings.

Les altermondialistes préfèrent
l’action directe à la non-violence
parce qu’ils ne prétendent pas
prendre le pouvoir mais déjouer
la domination sur leurs propres
vies. Mais l’action des forces de
répression les fait vite passer de
la non-violence à l’autodéfense.
Il n’y a pas de frontières étanches.

Tactics for the Anti-
Capitalist Movement

Activists against global capitalism
prefer direct action to nonviolence
because they do not pretend
to seize political power, but
attempt to undo the powers that
dominate their life. The reaction
from the police forces soon pushes
them from non-violence to selfdefense,
between which there can
be no clear-cut distinction.

Les machines numériques sculptent désormais des objets en référant leurs formes aux flux de données qui jaillissent de l’incessante activité des bases de données du web. Pendant que s’affole le débat sur les risques et les opportunités des big data, d’autres s’affairent à régler les algorithmes destinées à faire « parler » les données. On assiste à un renversement d’une importance énorme dans le champ des sciences sociales, laissant croire que « les chiffres parlent d’eux-mêmes ». Ce que la visualisation des nouvelles traces digitales fait alors voir, c’est que les catégories d’interprétation traditionnelles ne tiennent plus d’elles-mêmes et qu’il faut commencer par regarder avant d’interpréter

Looking at the data
Digital machines sculpt new objects along the flows of data produced by the web. While some of us worry about privacy and safety, others invent ways to find meaning in big data. Old habits in social sciences are turned upside down. Do “numbers speak for themselves”? Between the data and their meaning, a new step plays an increasingly important role: visualization. Before we can interpret data, we need to make them visible and we need to look at them.